Il monicker Alison Wait fa capo a due persone, al secolo Filippo Spadoni ed Alessandro Tusino, appartenenti a quel “circolo” (probabilmente neppure definibile in tal modo) di artisti come Mauro Berchi (apprezzato nei Canaan e nei Neronoia), Andrea Marutti (Amon) e Andrea Penso (Selaxon Lutberg), tutti e tre nomi di spicco nel panorama sperimentale italiano (anche se probabilmente rifiuterebbero tale etichetta) che diversamente hanno contribuito a questa pubblicazione. L’avvento del disco in questione, composto da otto piéce ambient onirici e crepuscolari, cade come una sorta di fulmine a ciel sereno: né il gruppo (alla sua prima pubblicazione) né il lavoro vengono annunciati anzitempo dai produttori, Eibon Records e Radiotarab. Anzitutto perché non fa parte del loro modo di lavorare. In secondo luogo poiché l’album in questione non è frutto di esigenze commerciali da svilire o svendere in anticipo. Come sovente accade ai progetti presentati dalle due etichette, questi non sono altro che la volontà o la necessità, da parte dei gruppi, di presentare le proprie emozioni, sensazioni, visioni del mondo. Fatto reso possibile non senza difficoltà e fatiche, in quanto ci si rivolge idealmente ad un pubblico, fortunatamente e sfortunatamente al contempo, ristretto. Fortunatamente in quanto, nella maggior parte dei casi, interessato, propenso a carpire quello che questi artisti sono pronti a comunicare, esulando dal bailamme della “scena”. Sfortunatamente perché sarebbe positivo poter sentire più voci interessate a confrontarsi con questo tipo di musica, così difficile da discutere e “giudicare”, poiché così personale da dover necessariamente essere ascoltata per trarne delle conclusioni. Azzardando delle ipotesi interpretative, si potrebbe descrivere l’avanzare del disco nei suoi quaranta minuti come un percorso nella vita degli autori, scandito da tappe emozionalmente significative. Forse l’opening track, September ’82, con i suoi synth rarefatti, circondati da echi di voci quasi salmodianti, tagliati a metà dai vagiti di un bambino, rappresenta il momento della nascita di uno dei due autori; o forse non rappresenta “quel” bambino, ma fotografa metaforicamente il momento di nascere, condizione che accomuna tutti. L’assenza di testi lascia indubbiamente spazio alle fantasie interpretative, stuzzicate da sample ambientali (pioggia, cinguettio di uccelli) o in qualche caso vocali, estrapolati dal film Le lacrime amare di Petra von Kant, di W.R.Fassbinder e da Il diavolo probabilmente di R.Bresson. Le atmosfere variano da brano a brano, rafforzando così l’idea che ogni traccia sia la metafora di una particolare situazione vissuta dagli autori, ma permane stabilmente un mood che in fondo le accomuna tutte, una sottile vena di malinconia che ci accompagna in qualsiasi nostra azione, che a volte ci spaventa (Scatole di latta), a volte ci lascia un sapore amaro in bocca (Quando non ci sarò) e a volte ci incanta (Tu sei la luna, Senza fiato).

Un disco molto difficile da descrivere ed anche molto difficile da assimilare, ma che dopo alcuni pazienti ascolti può portarci dove esistono solo i ricordi. I ricordi di ciascuno di noi.

Davide Buzzoni

Seconda fatica per gli emiliani Act Noir, appena approdati sulla milanese Eibon Records. Nei quattro anni che separano quest’uscita dal debut Automatisme Psychique il gruppo si è mantenuto attivo con alcuni concerti live (da menzionare anche due date italiane da opening act a John Foxx nel 2007), nonché con collaborazioni assieme ad artisti nostrani, come la partecipazione di Sergio Calzoni e Stefano Nieri nell’album Si Muove e Ride di Colloquio.
Il quintetto si presenta con una nuova lineup, impreziosita dal nuovo vocalist Gaetano Notarnicola, e con un’attitudine maggiormente spostata verso la ricerca melodica, ma l’impianto di fondamenta electro-rock resiste; le fonti d’ispirazione per il gruppo non sono certo nascoste (sono da loro stessi dichiarate e spiccano, tra i molti, Depeche Mode e A Perfect Circle), ma la costruzione complessiva cresce autonoma, come fosse una spirale in cui i due sopracitati elementi si mescolano e si confondono in continuazione. Le linee vocali sono scritte in modo da adattarsi ottimamente ad una controparte sonora mutevole (See the Truth), che sa alternare momenti in cui le chitarre si innalzano come muri (Shape a New Start) ad altri momenti in cui il synth di Calzoni sprigiona incalzanti nubi tossiche (come nell’alienata Closed City, uno dei migliori pezzi del disco), o ad altri ancora in cui la sezione ritmica tesse melodie ipnotiche incise dall’appassionata voce di Notarnicola (Taming Silence).
In ogni caso le diramazioni musicali degli Act Noir conducono l’ascoltatore allo svolgimento di un unico tema, quello della necessaria redenzione da una realtà marcia ed opprimente, del bisogno di scrollarsi di dosso falsi “apparati” come la ricerca del sollievo o di una parvenza di felicità. Quello che viene invocato in questo disco è una rinascita, senza guardarsi indietro e senza più esitazioni, consapevole che significa imboccare una strada tortuosa e senza vie di fuga, ma necessaria per sciogliersi dall’insostenibile peso provocato dalla grettezza e della meschinità del genere umano. La realtà che ci circonda come una palla al piede che ci tiene bassi, prigionieri, con una catena che si chiama sofferenza. La musica come mezzo per una catarsi forse irraggiungibile.

I’m sick of all the human shallowness
struggling through time and space
it doesn’t matter where or when
prospects become fatal knives
cutting the rope that keeps me on the ground
struggling through time and space
the higher I went, the deeper I fell

Davide Buzzoni

The Human Voice è solo l’ultima incarnazione in ordine cronologico dello spirito musicale di Hærleif Langås (Northaunt, Non Ethos). Il norvegese, che evidentemente fa parte di quella scuola di pensiero che reputa necessario distinguere con diversi monicker diversi approcci musicali, manda alle stampe quella che è stata definita come una raccolta di brani sviluppata lentamente e che non trovava spazio negli altri progetti già aperti; Eibon Records risponde alla chiamata e si offre di preparare puntualmente e con la perizia che la contraddistingue un digipak di grande impatto visivo. Ecco come ci perviene un album che difficilmente avremmo ascoltato altrimenti. L’approccio musicale che contraddistingue questa composizione è fondato principalmente sulla chitarra elettrica: essa è l’intelaiatura sonora su cui lavora Langås con i suoi ricercati field recordings e con i suoi arrangiamenti minimali, riuscendo a ricreare un disco omogeneo nonostante sia composto da brani, come detto, ideati separatamente. Potranno sì cambiare i mezzi, ma il risultato è sempre ambient. Ed è un prodotto ambient particolarmente efficace: l’ascoltatore è circondato il più delle volte da atmosfere oniriche, da synth che ricreano i mondi ovattati dei ricordi, delle retrospettive. Portarsi indietro con la mente significa entrare in un campo di nebbia, senza sole, dove tutto si confonde e non ci sono punti di riferimento. Le voci provenienti da quel tempo giungono finte, simulacri incarnati in sussurri distorti, mentre ad ogni singolo accordo la volta che sostiene questo fragile mondo di suoni si accresce, come fatta da tanti strati che si accumulano per inspessire e proteggere questo personale guscio. Protetti da esso stesso dormiamo e sogniamo, mentre sopra di noi le fredde stelle stanno a guardare indifferenti, fino alla nostra morte. Lì, in fondo al cammino, attende il fantasma del nostro amore, mentre suona i suoi accordi di fronte al nostro personale finisterrae; allora risponderemo finalmente alla domanda primigenia: la nostra mondanità è un palazzo od una prigione? Nell’attesa, i suoni di Exit Lines parleranno per noi.

Davide Buzzoni

Luca Olivieri
La Quarta Dimensione
2008, AG Prod
CD

Compositore e musicista di provata esperienza, Luca Olivieri, già attivo con i piemontesi Yo Yo Mundi e Nichelodeon, dà alle stampe La Quarta Dimensione, una raccolta di pezzi strumentali tra cui figurano musiche per rappresentazioni teatrali e film muti d’epoca, oltre a una serie di brani “scompagnati” realizzati in periodi diversi.
Olivieri come si suol dire, ne sa, lo dimostra ampiamente nel corso dei quarantatre (sembrano molti di meno) minuti in cui si muove con agilità ed eleganza tra sintetizzatori monofonici, wurlitzer, glockenspiel e quant’altro; anche i compagni di viaggio non sono da meno, spiccano Mario Arcari e parte degli stessi Yo Yo Mundi, impegnati a tagliare piccole gemme elettroacustiche senza esagerare con le sfaccettature. Il prodotto finito risulta quindi snello e scevro da tronfi barocchismi, molto garbate anche le percussioni e le punte di folk che emergono qua e là, complici nel ricreare un’atmosfera inaspettatamente eterogenea nonché fluida. Menzione speciale per Angelina, dalla quale emergono echi di un certo Nino Rota, in maniera più marcata nella versione reprise, e Il Sogno Di Napo, giocosa e solare coi suoi accenti spagnoleggianti.

Guglielmo Cherchi

Il teatro Apollonio di Varese, attivo da una manciata di stagioni, è l’unico luogo dove la finta high-class di provincia può tentare di trovare riparo senza doversi spostare fino a Milano o addirittura alla rivale Como: ecco come mai le serate in programma si presentano così variegate e decisamente disomogenee tra loro e vediamo così alternarsi sul palco in meno di un mese Piero Pelù, l’Edipo Re sofocleo e lo stravagante pianista marchigiano.
Complice l’onesto prezzo del biglietto, all’interno dell’Apollonio si rivela faticoso scorgere posti liberi, a testimonianza della popolarità raggiunta dall’acclamato compositore, che è riuscito ad attrarre a sé un pubblico quantomai variegato: dai più comuni e rispettabili esponenti della terza età (tra i quali non pochi riservavano occhiatacce alla gioventù presente), alle coppie con tanto di impubera prole al seguito, ad una nutritissima percentuale di giovani che ad una prima occhiata tutto sarebbe sembrata fuorché votata ad un interesse nei confronti di tale proposta musicale.
In questo frangente mille parole si sono dette tirando in ballo chi il retaggio di un certo Lorenzo Cherubini, chi una tendenza alle composizione di più facile presa sulla massa e via discorrendo: ciò che importa è che Allevi, dopo composizioni in solo, dvd live, libri e composizioni orchestrali è oggi in grado di riempire le sale.
Ed è così che, a teatro gremito, il pianista fa il suo ingresso saltellando come un ragazzino, in jeans e felpa col cappuccio e senza una parola si siede al piano e lascia che le note si rendano protagoniste. L’esordio è un brano dell’ormai lontano 13 Dita, Japan, che con le sue note melliflue e vellutate scalda gli umidi cuori dei presenti, provati dall’incessante pioggia che grava sulla città all’esterno. A seguire, la velocità e l’inafferrabilità del motivo di Sogno Di Bach mostrano invece un artista che non si esime dal proporre esercizi di stile decisamente più orientati al piacere e allo sfogo di chi suona che non alla sensibilità di un impressionabile pubblico spesso a secco di alcuna preparazione tecnica. Seguendo questa regolare alternanza tra un pezzo più lento ed emozionale ed uno più veloce e jazz-oriented, il concerto si protrae per un tempo discretamente breve (poco più di settantacinque minuti), tra i puntuali applausi della platea e gli innumerevoli ringraziamenti profusi da Allevi che regolarmente si alzava, voltandosi verso il pubblico, quasi in gesto di obbligazione.
Le esecuzioni più riuscite a detta di chi scrive sono tutti estratti del recente Joy, ossia l’iniziale Panic, la scanzonata Jazzmatic e la profonda, intima Back To Life, vero e proprio vertice della serata in fatto di coinvolgimento ed atmosfera, in barba al mancato isolamento sonoro del teatro che dava modo al mondo esterno di entrare e rovinare il sogno degli ascoltatori (a dir poco ridicolo, a questo riguardo, il momento in cui il suono del piano è stato quasi sovrastato da un rimbombare di clacson proveniente dalla vicina strada, imputabile probabilmente ad una classica lotta per un parcheggio del sabato sera).
Nonostante queste fastidiose benché piccole parentesi, Giovanni porta ineccepibilmente a termine la sua esibizione e prende finalmente in mano un microfono e un foglietto stropicciato dove aveva annotato i ringraziamenti; è con voce insicura e imbarazzata, quasi fosse nuovo a certe situazioni (motivo per cui il comportamento risulta impostato un filo di troppo), che il pianista ringrazia l’organizzazione, il pubblico e le “gentilissime maschere” dell’Apollonio, prima di suonare l’ultimo brano, rifugiarsi dietro le quinte e sbucare nuovamente sotto i riflettori un paio di volte, sempre rigorosamente correndo e ballonzolando allegramente, per poi concedere gli encores finali.
Terminata l’esibizione, serpeggia tra il pubblico la voce che l’artista sarà disponibile di lì a poco nell’ingresso principale per autografi e convenevoli vari senza limite di tempo: in men che non si dica l’atrio è di nuovo pieno e le maschere sono tutte indaffarate a mantenere l’ordine, tentando magari di non farsi travolgere dalla folla che mantiene un comportamento spesso rasente la maleducazione.
Le indiscrezioni si rivelano poi fondate: dopo una decina di minuti ecco sbucare dalle doppie porte la riccioluta chioma del compositore, per la felicità del centinaio di persone ancora in attesa.
Con serenità e buonumore, le richieste di firme e dediche vengono soddisfatte una ad una, senza esclusione, rendendo questo momento un’effettiva ed accuratamente studiata parte dello show, poiché vi è ben poco di spontaneo ed informale nello scambiare due chiacchiere con un artista attorniato da cordoni, personale di sicurezza e quant’altro.
Forse proprio questa ostentata disponibilità e l’atteggiamento irriverente dimostrato dal pianista sono alla base delle numerose critiche a lui rivolte, ma l’indubbio merito di aver portato una musica spesso arroccata su una rupe di storia e cultura alle orecchie di chi mai avrebbe pensato di appassionarsi ad un concerto di pianoforte solo non può non essergli riconosciuto.

Setlist:
01. Japan
02. Sogno Di Bach
03. Il Nuotatore
04. Scherzo n.1
05. Luna
06. Monolocale 7.30 AM
07. Go With The Flow
08. Qui Danza
09. Notte Ad Harem
10. Panic
11. Downtown
12. L’Orologio Degli Dei
13. Back To Life
14. Jazzmatic
15. Il Bacio
16. Pianokarate
Encores:
17. Aria
18. Prendimi

Andrea Bosetti

Crystal Castles
Crystal Castles
2008, Last Gang
CD

L’electroclash, con le sue distorsioni, le sue strutture poppish, i suoi beats, è arrivato ormai alla fase in cui dire qualcosa di nuovo diventa difficile. I più continuano a dire sempre le stesse cose. Le dicono bene, certo, ma il guizzo di inventiva è venuto loro a mancare, una volta instradatisi nei canoni di un genere a tutto tondo.
Poi, dal nulla, arrivano due Canadesi a dirci che qualcosa di nuovo da dire ancora c’è, anche se con mezzi dati per desueti. Ed ecco che la citazione di She-Ra riguardo il suo Castello di Cristallo acquista senso compiuto. Le “nuove” soluzioni sono qui davanti a noi, basta avere abbastanza originalità da mischiare gli ingredienti, come sempre.
Cosa succede con un pizzico di quella nuova corrente ai più nota come “wonky beats”, due pizzichi di sintetizzatori, un cuore electroclash e… una base ad 8bit? Il risultato è qui, per il piacere delle nostre orecchie, e si chiama Crystal Castles.
Il polistrumentista Ethan Kath ha creato dei brani alienanti, quasi irritanti nella loro semplicità, ma dall’effetto devastante, in particolar modo dove risuona la voce, sempre debitamente modificata, di Alice Glass. Un pezzo dietro l’altro, le sedici tracce di questo album di debutto si susseguono in un caleidoscopio di suoni, dapprima più liquidi e pacati (Untrust Us), poi di colpo stridenti e distorti (Alice Practice, sorprendente brano che ha fruttato il contratto discografico al gruppo), per continuare con un dejà-vu di una colonna sonora di un videogame anni ’80 (Crimewave), e via, un brano dietro l’altro, un’esperienza dietro l’altra, fino alla conclusiva Tell Me What To Swallow, dove la voce di Alice è poco più che un etereo bisbiglio su una omogenea distesa di note scaturite da chitarra acustica, toccando tematiche a dir poco inquietanti.
Alcuni passaggi colgono tanto alla sprovvista da lasciare senza parole, anche infastiditi, di fronte a così netti cambi di tempo, di atmosfera, di struttura, di… videogioco?
L’hype che ha circondato questa release ormai un anno fa ha sicuramente fruttato parte del successo di cui il duo gode già oggi (le “scrobblate” su Last.fm hanno già superato i sette zeri), ma sarebbe disonesto liquidare un disco del genere a mero strumento del mercato discografico, date le tante, tantissime dimostrazioni di personalità e naturalezza di composizione offerte.
Quando si pensa di aver inquadrato questo Crystal Castles,  ecco spuntare, nella traccia successiva, declinazioni ancora non chiamate in causa, a lasciarci ancora una volta con un palmo di naso e mandando all’aria ogni tentativo di schematizzazione e razionalizzazione. La spontaneità qui infusa è tale da far suonare l’intero platter come creato casualmente (cosa in parte avvenuta, peraltro), senza alcun filo conduttore.
Sta a noi, ora, dare un senso a tutto questo, cercando il Castello che è già lì, davanti ai nostri occhi.

Andrea Bosetti

È giunto anche per SoundMark il momento di darsi da fare con le interviste, i primi a farne le spese sono stati i genovesi Japanese Gum, disponibili e loquaci nonostante gli impegni: la promozione di Without You I’m Napping e gli ultimi ritocchi al loro primo full-length.
Bando alle ciance, la parola a Davide Cedolin e Paolo Tortora.

Parlateci un poco di ciò che ha portato alla formazione dei Japanese Gum: da dove ha origine la vostra esperienza musicale e quali sono le figure chiave del vostro percorso?
D- Ciò che ha portato alla nascita i Japanese Gum è stata un grande voglia di provare a mettersi in gioco tentando di dare continuità alle nostre esperienze passate in band tipicamente post-rock ma cercando però di evolvere tale discorso verso qualcosa di più stratificato, dove avere la possibilità di coinvolgere l’elettronica in modo più massiccio come elemento di struttura e tramite la quale sperimentare nuovi percorsi musicali all’interno dei quali riversare il nostro bagaglio sonoro al completo e dove poter dare libera azione ad un modo di far musica che prescinda da metodi e schemi precisi. Un po’ cervellotico ma il concetto direi che è questo… All’interno del nostro percorso direi che ogni figura che abbiamo incontrato è stata cardine: da Gigi che fino a Talking. Silently e.p. ha suonato con noi a Matteo di Marsiglia Records che è stato tra i primi a credere in noi, dagli amici ai primi fans, dai tipi dei locali che ci hanno chiamato a suonare, ai gruppi con i quali abbiamo condiviso le serate, da chi non la pensa bene su di noi a tu che ora invece ci stai intervistando…
P- I JG nascono ancora quando suonavamo in un gruppo spiccatamente post-rock. Le sonorità che ricercavamo era qualcosa che potesse distaccarsi da ciò che stavamo facendo; allo stesso tempo si cercava un terreno ancora per noi inesplorato, dove poter sperimentare e far sfociare in musica ciò che avevamo dentro ma che era rimasto inespresso. Quindi è stata una nostra necessità di suono, oltre che una comodità stilistica visto che potevamo comporre senza uscire da casa. Il che ci ha garantito tempi molto corti per sviluppare le nostre idee. Non si doveva più andare in saletta per provare un’idea che avevamo in testa, la si poteva direttamente registrare da casa. Per noi questo modo di procede è stato rivoluzionario nel modo di concepire la musica. Poi, con lo scioglimento del gruppo post-rock, abbiamo capito che l’idea migliore non era buttare via quello che eravamo nell’altro gruppo, ma bensì che potevamo fondere le due sonorità. Tutto questo avveniva quando ormai le canzoni di Talking. Silently e.p. avevano già preso una forma, seppur ancora molto primitiva rispetto a come sono state fatte uscire dopo. Per quanto riguarda le figure chiave è difficile dirlo. Sicuramente chi ci ha incoraggiato, chi ci ha aiutato, e quindi direi anch’io persone come Matteo e Gigi. Direi anche che la persona chiave è stata anche Davide, dopotutto se non ci incontravamo magari non sarebbe nato nulla. Poi in quel periodo stavo anche iniziando a scoprire veramente l’elettronica, alla quale non ero particolarmente attratto prima. Quindi direi che le cose che sentivo in quel periodo mi hanno molto influenzato nel modo di fare musica.

Dall’uscita del vostro primo ep sotto Marsiglia non vi siete mai fermati e continuate a proporre con continuità nuovo materiale, e questa esigenza di espressione artistica è riuscita a farvi ottenere ottimi risultati di critica. Ci dite qualcosa riguardo al vostro rapporto con il mondo esterno? Dal pubblico alla critica ai vostri “colleghi” dell’underground italiano, siete soddisfatti di come vanno le cose?
D- Personalmente nonostante sia abbastanza volubile di umore, ci tengo molto a stabilire contatti e a relazionarmi quotidianamente con persone interessanti, con le quali e dalle quali si può imparare molto. Col pubblico abbiamo un rapporto realmente positivo: nonostante a volte possa apparire che ce ne stiamo sulle nostre, poco loquaci e tendenzialmente non di compagnia, ci piace fermarci a chiacchierare alla fine di un live, come non disdegnamo assolutamente di rispondere alle mail che la gente ci manda… La critica ci interessa in quanto per un gruppo è parte fondamentale dell’esposizione all’esterno, senza di essa sarebbe molto difficile riuscire a raggiungere un’utenza più ampia e talvolta più mirata rispetto a quella che si riuscirebbe con un blog ed i soli live. Al di là di questo con i nostri “colleghi” ovviamente dipende, in quanto persone tutte, c’è con chi ci si trova maggiormente in linea ed invece con chi no: non ho dubbi sul dire che ci sono band con le quali abbiamo instaurato ottimi rapporti di stima ed amicizia reciproca che va ben oltre al semplice relazionarsi in campo musicale… penso ai Sea Dweller, Antony degli Isan, Magpie, Blown Paper Bags, Still Leven, Jukka dei Giardini di Mirò…
P- Le interazioni con le persone vengono gestite in particolar modo da Davide. Io non sono molto capace a relazionarmi con gli altri e a mantenere contatti. Tuttavia girando con I JG ho la possibilità di conoscere molte persone con le quali mi piace conversare, sentire le loro opinioni, e soprattutto parlare di musica per sentire le loro idee al riguardo. Forse sono nostalgico, ma mi piacciono più le conversazioni che gli scambi di email che purtroppo però sono necessari. In generale servizi come Myspace, blog etc, riescono però a riempire uno spazio che c’è tra l’artista e resto del mondo. Mi ricordo che prima dell’avvento di questo tipo di Internet, nel cosiddetto Web 1.0, le band sembravano cosi lontane che sembrava disturbarli cercando di contattarli. Ora invece si ha la possibilità di parlare con chiunque con la massima libertà. A tal punto che tanti preferiscono raggiungerti via Internet che farti i complimenti di persona. Per quanto riguarda gli altri musicisti, parlando di Genova, credo ci sia un bel rapporto. Ai concerti organizzati da DisorderDrama spesso ci si incontra, e semplici eventi diventano un modo per interagire tra di noi. E poi, credo che ci siano ottimi gruppi qui a Genova… a volte mi sembra una realtà un po’ trascurata per le sue potenzialità.

Stando alla descrizione che correda la presentazione di Talking. Silently e.p., date molta importanza alla dimensione live: è un modo per tentare di emergere e farsi conoscere, o anche in questo caso si tratta di necessità artistica e cercate “soltanto” il contatto con il pubblico?
D- Da quando è uscito Talking. Silently e.p. sono cambiate un po’ di cose, anche se neppure troppe per la verità, nel senso che noi continuiamo a rapportarci al fare musica con lo stesso intento, ovvero di pensare, comporre e suonare cosa ci viene da dentro con la massima spontaneità e cercando di confrontarci il più possibile con meccanismi diversi e strumentazioni differenti per realizzare le nostre idee. E’ cosa comunque certa e visibile che le ultime nostre composizioni si distaccano abbastanza dalle prime. Una volta dal vivo cercavamo di proporre una dimensione “più suonata” di quello che avevamo su disco. Lavoravamo con maggior zelo per quanto riguardava l’impianto strutturale elettronico in fase di scrittura, così che poi ci ritrovavamo a dare un corpo maggiormente “rock” e di impatto se vogliamo, durante i live. Questo forse perché in fondo la nostra anima maggiormente legata a generi guitar oriented scalpitava. Ora che abbiamo trovato una buona taratura ed un equilibrio efficace tra tutte le cose che ci piace fare, il live forse può apparire più simile a quanto si può ascoltare su disco, anche se comunque, rimane assolutamente importante per esprimere un certo tipo di fisicità.
P- Le due fasi, quella compositiva e quella live, sono complementari per noi, due facce della stessa medaglia e come tali sono indivisibili. Uno corrisponde ad un momento più riflessivo e di creatività dove cerchi di esprimere quello che vuoi tradurre in suono, il secondo è un momento in cui cerchi di raccontare al pubblico il tuo lavoro,  visto con gli occhi del presente. Vale a dire che i pezzi mutano dal vivo, a seconda di come vediamo il pezzo in quel momento. Inoltre anche l’approccio ai pezzi è differente dal momento che passiamo da una composizione più “ragionata” ad un’esibizione più istintiva.  Per quando riguarda il farsi conoscere invece c’entra poco: non facciamo live per sponsorizzarci, quella è solo una conseguenza del suonare in giro. I live ti aiutano a crescere musicalmente in quanto solo davanti a delle persone che ti ascoltano capisci se i pezzi funzionano oppure no. Gli occhi delle persone possono essere più severi della peggiore delle recensioni.

Le strutture dei vostri brani, tra distorsioni e tappeti elettronici, sono tutto fuorché lineari; ci parlereste del processo di songwriting? Da dove traete le maggiori ispirazioni e come le traducete conseguentemente in musica?
D- Questa può apparire una domanda tanto facile e scontata quanto scomoda e problematica.
Dunque… In linea generale il nostro songwriting inizia sempre in modo dissociato, ovvero o io o Paolo lavoriamo per conto nostro su un’idea abbozzando qualcosa a casa. Non abbiamo dei codici di sviluppo ben precisi in fase di abbozzo dei brani, né uno strumento guida dal quale far uscire una parte precisa. Solitamente nasce tutto con la massima libertà, fino a che si inizia a scambiarsi le varie tracce via mail, sulle quali re-interveniamo a vicenda, portando avanti un discorso di [de]strutturazione che può andare avanti per pochi giorni come per più mesi. Quando riteniamo di avere una buona matrice di base, si va in studio  e quì si inizia a registrare parti più o meno precise e definite. Successivamente di solito durante la fase di pre-mix ritorna a galla lo spirito freak e svarionato, che ci porta magari a smembrare nuovamente il pezzo e a dipingerlo con nuove soluzioni e nuove idee… Personalmente le mie ispirazioni non sono specifiche e continue, ma eterogenee e cangianti… Le ultime cose alle quali sto lavorando subiscono più o meno influenze dalle cose che faccio e di come vivo ora, influenze legate a come passo il tempo… E comunque rimarco l’importanza che ha per noi, e quindi per me, la possibilità di comporre senza pensare ad un “genere” o a un “modus operandi” in particolare. La terza serie del telefilm Dexter per esempio mi sta ossessionando… Sto ascoltando parecchia dub-step e anche se non so quanto lo si possa riscontrare nella nostra musica, dentro me so che un certo tipo di alienazione urbana figlia della garage e dei rave ’90 è presente e anche se in modo sottile dice la sua nel mio modo di comporre. Poi in generale tutta la scena di Williamsburg, non solo quella musicale ma anche quella artistico visiva.
P- Il processo di songwriting devo dire che è mutato molto nel tempo. All’inizio quello che era la produzione nasceva e finiva nelle nostre camera. Ora invece direi che il processo che porta al pezzo finito è un po’ più lungo. L’idea viene concepita comunque sempre in solitudine, per cosi dire, e poi viene sviluppata da entrambi mediante lo scambio di materiale via e-mail. Quando la base ci sembra più o meno sistemata allora andiamo nello studio di registrazione per inserire strumenti “veri” al pezzo. Ma più in generale tutte quelle idee che potrebbero venire in testa in una sala prove. Poi una volta che hai tutti gli ingredienti, si passa al ricostruire tutto a volte ribaltando anche completamente l’idea di partenza. Forse i pezzi risultano non lineari perché figli di un processo creativo anch’esso non lineare e caotico. Per quanto concerne la fonte dell’ispirazione direi che è un insieme di molti elementi: situazioni vissute, qualcosa che vedo, uno stato d’animo e cosi via. Quando hai abbastanza di queste cose dentro di te, allora l’ispirazione nasce in modo spontaneo. Un’altra cosa che mi ispira è cambiare spesso la mia tecnica compositiva, cambiare il modo in cui mi avvicino alla canzone. Se usassi sempre gli stessi strumenti, sempre gli stessi programmi etc. allora finirei per fare sempre le stesse cose. Il cervello come si sa si impigrisce velocemente e quindi finire ad usare sempre le stesse soluzioni sonore.

Una curiosità sul vostro particolare monicker: c’è qualche rimando implicito, oppure è davvero frutto dei fumi dell’alcol come da voi stessi dichiarato?
D- Sicuramente non c’è nessun rimando agli Her Space In Holiday, un gruppo che nemmeno ci piace, e che abbiamo conosciuto dopo mail di gente che ci chiedeva di caricare sul nostro myspace il brano dal quale a detta di tali persone avremmo preso il nome… e poi sì, davvero, vorrei potermi ricordare da cosa è nato… ma proprio niet, non riesco… quella sera so solo che abbiamo parlato per ore di politica.
P- I fumi dell’alcol c’entrano sicuramente, che poi avessimo in testa un rimando implicito o no quando lo abbiamo detto già, non lo sapremo mai. Ma ora poco importa. Il giorno dopo ci siamo svegliati con un nome per il gruppo che ci piaceva. Riguardo agli Her Space In Holiday, l’ho scoperto solo quando cercando su google Japanese Gum c’erano dei link che rimandavano a quel brano. Sicuramente c’entra di più il mio amore per il Giappone che per Her Space In Holiday.

Per concludere, cosa dobbiamo aspettarci in futuro dai Japanese Gum? Vi concentrerete maggiormente sulla promozione del materiale disponibile o avete già in cantiere qualche cosa di nuovo?
D- La promozione di Without You I’m Napping è in atto, abbiamo un po’ di date in giro e la critica appunto, ha iniziato a far uscire articoli su di noi da poco, quindi in questo senso posso dire che la palla al momento non è tra i nostri piedi…
…nel frattempo comunque stiamo ultimando i dettagli per far uscire il primo disco full-length, che spero riesca a vedere la luce il prima possibile.
P- Il futuro è per noi molto vicino, nel senso che ci stiamo preparando a far uscire l’album che però, visti i tempi che abbiamo impiegato per finirlo, lo sentiamo addirittura già un po’ vecchio. Attualmente stiamo lavorando già al secondo disco, che sicuramente non avrà tempi biblici come il primo!

Grazie per la disponibilità, magari ci risentiamo in occasione della vostra prossima uscita discografica. A voi l’onore della chiusura.
D- Grazie a te per l’intervista e per il lavoro importantissimo che fai e che molte altre persone fanno per pura passione senza uno straccio di remunerazione. Yo.
P- Sarebbe veramente un piacere per noi ritornare tuoi ospiti. Grazie infinitamente per averci dato questo spazio attraverso il quale ci siamo potuti far conoscere un po’ meglio. Inoltre concordo in pieno con Davide sul fatto che il tuo lavoro, come quello di altri, è fondamentale per far crescere interesse e per portare avanti la musica indie in Italia che altrimenti verrebbe snobbata dagli altri media.

A cura di Andrea Bosetti e Guglielmo Cherchi

Agalloch sonant, ergo sunt. Sembrano quasi più non esistere i tempi passati durante i quali recuperare informazioni e notizie sui tre di Portland era un’autentica impresa. Poco si sapeva su questo progetto fino ad una manciata di anni fa: dopo il secondo full lenght, ancora sprovvisto di sito internet proprio, e non cercava nemmeno di alimentare la vena underground di certi smanettoni.
Ora, improvvisamente, eccoli sopra ad un palco, davanti agli occhi di poco meno di due centinaia di spettatori, in un locale semisperduto della provincia bresciana; occhi attenti, vigili su ogni singolo movimento, altri persi e dilatati, quasi come in un sogno. Ha dell’incredibile come un gruppo di cui si riempiono quasi esclusivamente le pagine dei forum e dei blog riesca a radunare persone da tutta la nazione, disposte a sacrifici per quella sembra l’occasione della vita: il momento in cui i fautori di brani tanto ascoltati, spesso in solitudine, si parano innanzi, sudano, si prestano ad autografi, strette di mano, abbracci, fotografie. La cornice dell’evento, peraltro, bene si presta ad una concretizzazione di coloro che svariate volte sono stati immortalati sui booklet o su set fotografici abbastanza rari e conservati gelosamente. Osservare John Haughm, Don Anderson e Jason Walton (con l’aggiunta dell’ultimo arrivato, Aesop Dekker, dietro le pelli) mentre assistono mischiati al pubblico l’esibizione dei Dornenreich provoca in molti un turbinio di sensazioni che rende difficile anche solo rivolgere loro la parola; troppe sarebbero le domande, troppi sarebbero i complimenti. Allora si preferisce lasciare gli artisti al loro compito. E il compito l’hanno svolto, come nelle aspettative di tutti i presenti. Nonostante i problemi di audio. Nonostante il tempo limite raggiunto troppo presto, che non ha permesso loro di suonare un altro pezzo, a lungo richiesto dal pubblico. Nonostante la fretta di smontare tutta la baracca per partire di volata verso Praga, nel rispetto dei ritmi serrati di quella macchina che è il tour. Nonostante tutto gli otto brani proposti hanno sprigionato una forza difficile da lavare via. Si impiega qualche istante a capire come l’apertura sia stata affidata a Dead Winter Days, right back from 1999. I volumi sbilanciati amplificano i riff delle due chitarre e il drumming potente e secco, ma penalizzano la voce e il basso: il problema verrà in parte corretto nel corso dell’esibizione. Un’altra testimonianza del debut album è costituita da As Embers Dress The Sky, a cui viene incastrata I Am The Wooden Doors; le versioni, seppur rimaneggiate, suonano abbastanza fedeli a quelle ascoltate molte volte su disco. Quando si arriva all’imprescindibile In The Shadow Of Our Pale Companion l’audience ha ormai capito quale sia l’approccio degli Agalloch in sede live: metal fino al midollo. Manca per forza di cose tutta quella strumentazione che rende i brani del gruppo di Portland così particolareggiati e curati nel minimo dettaglio in sede di registrazione (pianoforte, fisarmonica, campane, woodchimes, tamburo, ecc.), dunque il baricentro degli arrangiamenti si sposta verso un impasto di riff e di effetti elettrici, cadenzati dal drumming di Drekker. Anche la voce di Haughm talvolta viene trascinata via da questo flusso sonoro, anche se non si sa quanto per scelta artistica piuttosto che per problemi al mixer. In ogni caso il ventaglio di brani selezionato continua con alcuni tra quelli a prevalenza strumentale: la combo Falling Snow e Limbs (con il pubblico in rigoroso silenzio durante le cesure) fino al brano del commiato, Bloodbirds (seconda parte della suite Our Fortress Is Burning), nella quale anche il gruppo si lascia trasportare dall’enfasi del climax ascendente. E anche quando la chitarra di Anderson smette di risuonare tra le pareti dell’Olden Club, ci si mette un po’ per realizzare che è tutto finito. Ma ad un sentimento di delusione per la brevità dell’esperienza si sovrappone la presa di coscienza di aver assistito ad un evento raro e al contempo prezioso. La trafila di foto, autografi e strette di mano attende i musicisti, che nonostante la fretta ben si prestano al contatto con il pubblico: entrambi beneficiano del ruolo interpretato dal proprio interlocutore.
Se vorranno tornare, in Italia saranno accolti con benvenuto. Se ci sarà un organizer che lo permetterà. Se ci sarà un altro Olden Live Club a lavorare per ospitare un altro evento di tale portata.
Agalloch are alive and well living in Lonato.

Setlist:
01. Dead Winter Days
02. As Embers Dress The Sky
03. I Am The Wooden Doors
04. In The Shadow Of Our Pale Companion
05. Falling Snow
06. Limbs
07. Not Unlike The Waves
08. Our Fortress Is Burning – Bloodbirds

Davide Buzzoni

Ceanne McKee
Wonderland
2008, autoprodotto
CDr

A dispetto delle apparenze Ceanne McKee (al secolo Chiara Ragnini) è italianissima, di Genova per la precisione, e dopo anni di intensa gavetta passati tra collaborazioni, concorsi e attività live è giunta finalmente al debutto come solista.
Lo stampo è quello pop-cantautorale anglosassone, stile sobrio condito con una buona dose di personalità, sottolineata dalla scelta di cantare sia in inglese che in italiano. Semplice, essenziale e diretto, Wonderland è un disco estivo, di quelli che ci si gode volentieri in riva al mare, la cui frugalità viene esaltata da un’autoproduzione equilibrata. Autoproduzione che vede i propri umori lo-fi mitigati da arrangiamenti che per quanto scarni rivelano una preparazione e un senso armonico fuori dal comune, fotografando un’artista ormai perfettamente in grado di conquistare pubblici e platee ben più ampie rispetto a quelle a cui è abituata. Il comparto tecnico è quindi di discreto valore, considerando che Ceanne si è formata professionalmente con musicisti quali Andrea Maddalone e Roberto Tiranti; anche dal punto di vista vocale Wonderland regala sprazzi di indiscusso interesse ed è proprio in certe linee vocali che rieccheggia il lavoro fatto con Tiranti, capace di tirare fuori da Ceanne potenza o dolcezza quando il brano lo richiede.
Un buon esordio in definitiva, le capacità ci sono tutte, lo spirito e l’intraprendenza pure, così come i margini di miglioramento. Tanta fortuna! direbbe qualcuno, idem il sottoscritto.

Guglielmo Cherchi

Beat Pharmacy
Wikkid Times
2008, Deep Space Media
CD

Quarto disco con questo monicker, dato alle stampe sotto l’etichetta del francoamericano François Kevorkian, per il newyorkese di origine sudafricana Brendon Moeller. Lavoro ampio e cadenzato,  Wikkid Times, motivato dal desiderio di protesta che permea ogni verso di ogni testo e non solo, vista la foschia che circonda e lascia appena intravedere la Statua della Libertà in copertina, nemmeno considerata dallo sconsolato viandante.
Testi, si diceva, magistralmente interpretati da un collettivo di microphone controllers tra i più disparati. Apre il platter la voce dell’inglese Coppa, raccontandoci di come il male nel mondo si diffonda partendo dai tetti delle nostre case, su una base dub che si insinua nei vicoli più stretti della percezione uditiva, trascinandoci in una utopica spirale di ricerca della libertà. La successiva Time, che vanta la collaborazione dell’ottimo Damon Aaron (autore a sua volta del recente e piacevolissimo Highlands), si attesta invece su binari più soffusi e sfumati rispetto all’apripista, pur mantenendone la quintessenza utopica, nella speranza che le sabbie del tempo non arrivino ad intaccare l’amore e la sua poesia.
Proseguendo lungo le undici tracce, che portano il disco ad una durata complessiva di quasi ottanta minuti, troviamo a prestare le proprie corde vocali Spaceape, Paul St. Hilaire, Ras B e Infinity, oltre ad un’ottima traccia strumentale centrale, House Of Love, che dona al disco una struttura simmetrica, oltre ad accentuare maggiormente le tonalità sfumate del platter grazie ad un inaspettato e riuscitissimo utilizzo dei fiati, estremamente valorizzati dalle strutture portanti vagamente spruzzate di techno. Si riparte poi con il componimento forse più personale, Piece Of Mind, con il già citato Coppa di nuovo dietro al microfono a parlarci di cosa sia effettivamente la libertà, tanto all’atto pratico quanto concettualmente. La successiva Ghostship e l’eloquente Nuclear Race costituiscono a loro volta un binomio dalla spiccata tendenza minimal, portando all’ambizioso lavoro ventate d’aria fresca ed evitando di segregarlo negli ormai stagnanti ed abusati canoni del dubstep più comune.
Viene infine lasciato a Ras B il compito di fornire all’ascoltatore un’apologia della libertà di pensiero, oggi atrofizzata dalle classi più benestanti e dal loro Dio Danaro, in Assassination Of The Mind, che con sdegno e indignazione tenta di far emergere un qualche sentimento sopito dalle consuetudini del terzo millennio.
Un disco profondo, esistenziale, insomma, in cui nulla è lasciato al caso; e a ben vedere, sotto tutto il marciume, oltre la foschia, forse, qualcosa di bello ancora c’è. Se lo si vuole trovare. «A world of deceit, a world of misery, but still, it stands so beautiful.». Rise high, Brendon.

Andrea Bosetti